Inspiradas en el trabajo de artistas visuales contemporáneos, cinco referentes de la moda intervinieron prendas para la exposición En Diálogo

Artistas y diseñadoras, más cerca

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Nº2024 - al de Junio de 2019
Por Florencia Pujadas fotos: Camila Montenegro

Iluminada por la luz natural que entra por los enormes ventanales con vista al mar, la entrada está intervenida con obras de arte y maniquíes. Los diseños más barrocos, con detalles y tonos vibrantes, conviven con vestidos y prendas más discretos. También dialogan con obras de artistas contemporáneos escogidas para la exposición En diálogo, que fusiona la moda con el arte y se montó en el Hotel Sofitel.

La coordinadora y curadora de contenidos del programa de Arte del Hotel Sofitel Verónica Parrado, junto a la directora de Galería del Paseo Silvia Arrozés y la encargada de Marketing de Sofitel Sofía Mederos.
La coordinadora y curadora de contenidos del programa de Arte del Hotel Sofitel Verónica Parrado, junto a la directora de Galería del Paseo Silvia Arrozés y la encargada de Marketing de Sofitel Sofía Mederos.

Con la curaduría de Silvia Arrozés de Galería del Paseo, cinco diseñadoras uruguayas intervinieron prendas inspiradas en el trabajo de artistas latinoamericanos. Así, Chiara Defféminis confeccionó una prenda con fuertes referencias de Ignacio Iturria y Margo Baridon, de Ernesto Vila. Las diseñadoras de Pastiche se mimetizaron con el análisis de la sociedad contemporánea que hace la artista peruana Luisa Fernanda Lindo y en Savia replicaron el amor por la naturaleza que está detrás del trabajo del uruguayo Fidel Sclavo. Las diseñadoras de Maison Rotunda siguieron la línea de la pintora argentina Graciela Hasper para crear un vestido marcado por las formas y figuras geométricas. “Lograron hacer una intervención con una conexión mágica”, dice Arrozés, mientras termina de acomodar las pinturas sobre murales blancos. En diálogo, una exposición que se puede visitar desde este jueves 13—y a cuyo montaje asistó galería—, busca promover la conexión de las artes visuales: “Es que está todo conectado. El arte es una fuente de inspiración para la moda, y lo mismo ocurre al revés”, dice Arrozés. 

Chiara Defféminis & Ignacio Iturria

La carrera de Ignacio Iturria estuvo marcada por los cambios. Después de pasar una etapa centrada en el blanco, pintó la costa española y volvió a Uruguay con una paleta más baja, trabajó con cartones corrugados y distintos tonos de gris. Inspirado en el orden y las estructuras, además, creó sillones con formas de elefante y se transformó en el pintor uruguayo con mayor proyección internacional. Quizás por su trayectoria, no resulta sorprendente que Chiara Defféminis diga que es su artista favorito. Pero detrás de esta predilección —que muchos uruguayos pueden compartir— se esconde un motivo más grande. “A mí me juega un elemento emocional que es que él pintó varios retratos de mi madre. Ella falleció y los guardo con mucho cariño”, dice la diseñadora a galería. No dudó en escogerlo como inspiración para la exhibición.

Inspirada en las obras de Ignacio Iturria, Chiara Deffémenis diseñó un conjunto unisex que mezcla texturas con colores tierra y movimiento. Esta pieza está repleta de guiños al artista, con detalles como el soldado bordado en la manga y zapatos de cartón
Inspirada en las obras de Ignacio Iturria, Chiara Deffémenis diseñó un conjunto unisex que mezcla texturas con colores tierra y movimiento. Esta pieza está repleta de guiños al artista, con detalles como el soldado bordado en la manga y zapatos de cartón

Antes de esta intervención, Deffémenis había fusionado el arte con la moda en una colección inspirada en un cuadro que presentó el año pasado en la MoWeek. Pero este desafío fue distinto. “Al principio me costó encontrar mi lugar porque no era que iba a diseñar para vender. Yo soy traductora pública y en la clase nos habían enseñado que un buen traductor no tiene que copiar ni pegar, tiene que captar la esencia y transmitirla en otro idioma. Eso fue lo que hice”, asegura Defféminis, que se reunió con Iturria durante el proceso.

Inspirada en dos de sus cuadros, intervino lino con tonos tierra y representó elementos —como cuadrantes y escaleras— en algunos apliques de un conjunto unisex. También utilizó cartón corrugado para crear un par de zapatos y replicó las líneas rectas que pinta Iturria. Además, bordó uno de sus clásicos soldaditos en el puño y utilizó un pañuelo azul como un guiño a ese color que se repite en sus obras. “No me puedo comparar con él pero es una pieza que funciona como el cuadro: lo ves de lejos y quizás no te impacta. Te acercás y tiene un montón de detalles”, dice Defféminis. Iturria  está de acuerdo: “Nos emparentamos bien. Todo parte de una imaginación y un estilo que es el mismo. A partir de ahí, ella sacó sus propias conclusiones. Ahí está el trabajo”, asegura.

Maison Rotunda & Graciela Hasper

A primera vista, las obras de Graciela Hasper parecen tener poco que ver con el estilo de Maison Rotunda. Esta artista argentina utiliza el color como una herramienta para generar movimientos y romper con la subjetividad en sus obras. “El color es una de las características de la cultura popular de la región y busco recuperar la idea de que lo popular puede ser lo actual. Mi trabajo está saturado por una gran cantidad de citas a las vanguardias latinoamericanas”, dice Hasper a galería. La paleta que va del rosado al verde y pasa por el azul no está tan presente en las colecciones de Maison Rotunda, un espacio de diseño pensado para prendas de noche. “Me sorprendió que me hayan elegido porque su propuesta es profundamente monocroma”, señala la artista. Y es cierto que se caracterizan por presentar diseños más sobrios, sutiles y con tonalidades más apagadas. “Al principio fue un desafío porque Graciela tiene un estilo diferente, pero encontramos similitudes en las formas de sus trazos”, dice Serrana Polcaro de Maison Rotunda.

A pesar de usar una paleta diferente, las diseñadoras de Maison Rotunda se inspiraron en la técnica de Graciela Hasper. Así, replicaron los triángulos y las figuras geométricas que aparecen en su obra.
A pesar de usar una paleta diferente, las diseñadoras de Maison Rotunda se inspiraron en la técnica de Graciela Hasper. Así, replicaron los triángulos y las figuras geométricas que aparecen en su obra.
Inspiradas en su técnica de trabajo, entonces, diseñaron un vestido con líneas simples y figuras geométricas que se repiten en los cuadros de la artista. Con un corte strapless amplio, presentaron una prenda que se complementa con triángulos esparcidos en una sobrecapa. Así, colocaron algunos brillos que funcionan como un guiño con el trabajo de la pintora. Y confeccionaron una prenda que bien podría ser parte de una de sus colecciones. “Nos centramos en dos cuadros que tienen figuras superpuestas. Por eso, en el vestido hay espacios entre los triángulos que forman otros triángulos negros y que suplantan los bancos que se ven en su obra. Pensamos en un diseño para nuestra mujer, que es segura y auténtica”, cuenta Polcaro. “La moda es un arte de uso que está inmerso en la vida cotidiana de las personas”, asegura Hasper.

Pastiche & Luisa Fernanda Lindo

Lucía y Florencia Ottonello.
Lucía y Florencia Ottonello.

Detrás de las fotografías de Luisa Fernanda Lindo se esconde un fuerte análisis crítico contra el discurso hegemónico. A los 40 años, esta artista, escritora y curadora peruana, busca exponer y denunciar a los sistemas económicos, políticos y su impacto social. “Mi trabajo aborda problemáticas coyunturales que pueden ir desde el extractivismo indiscriminado a los desplazamientos migratorios, con énfasis en la lucha y resistencia de la sociedad y de la propia naturaleza”, dice a galería. Y agrega: “La naturaleza es perfecta y supongo que por ello me llaman la atención las fallas del sistema, los desequilibrios, la informalidad, las incongruencias entre el discurso ejercido por el poder y su implementación”. La artista presentó en 2015 El campesino, una obra que conmovió a las diseñadoras de Pastiche, Florencia y Lucía Ottonello. “Me llamó la atención visualmente porque es atractiva. Tiene un peso conceptual muy grande y nos gustó que lo hiciera una mujer”, cuenta Lucía. Pero trasladar la estética —y el poder conceptual— de esta obra no fue una tarea simple.

Antes de confeccionar el mameluco, las diseñadoras de Pastiche investigaron sobre Fernanda Luisa Lindo, una artista con un discurso marcado por el análisis crítico.
Antes de confeccionar el mameluco, las diseñadoras de Pastiche investigaron sobre Fernanda Luisa Lindo, una artista con un discurso marcado por el análisis crítico.
Centrada en el resurgimiento obrero, Lindo intervino un libro con cortes y hojas de distintas plantaciones. Luego la convirtió en una fotografía, que fue estudiada al detalle por las diseñadoras de Pastiche. “Fue un proceso complejo. Nosotras tratamos de usar materiales que nos identifiquen como marca. Como hacemos jeans, usamos un mameluco que también representa al trabajador del que habla la artista”, recuerda Ottonello. En un trabajo que definen como artesanal, también utilizaron flores de plástico pintadas con aerosol para que tuvieran un mayor impacto y colocaron tiras moldeables que simulaban las partes del libro. “Nuestra idea fue representar la obra y llevarla al volumen. La interpretamos en otro formato”, dicen las hermanas.

Margo Baridon & Ernesto Vila

Así como hace Ernesto Vila con el cartón corrugado en sus obras, la diseñadora Margo Baridon mezcló distintos pliegos y texturas en la confección del vestido. “Me permitió volver a jugar, explorar mi creatividad”, cuenta a galería.
Así como hace Ernesto Vila con el cartón corrugado en sus obras, la diseñadora Margo Baridon mezcló distintos pliegos y texturas en la confección del vestido. “Me permitió volver a jugar, explorar mi creatividad”, cuenta a galería.

Ernesto Vila es el artista de las texturas. Con un estilo inconfundible, en sus obras reúne pedazos de cartón corrugado con distintas telas, pinceles japoneses y algunos materiales tan extraños como particulares. A los 82 años, y con una carrera potenciada por los maestros José Gurvich y Guillermo Fernández, hoy dice estar retirado. Su trabajo se volvió una fuente de inspiración para la intervención de Margo Baridon en la exposición. “Este encuentro me sacó del silencio que había elevado como soporte último. Por un lado me causó alegría y por otro, desasosiego. Fue una situación inesperada, de puntos suspensivos, que me produjo una nueva conmoción que no esperaba”, cuenta Vila a galería

Infuenciada por los recortes de Vila, que trasladó desde la moldería hasta lo textil, la diseñadora mezcló volados con lienzos pintados a mano. Así, confeccionó un vestido con una conexión evidente: la silueta, las telas superpuestas y los espacios en blanco están conectados con los movimientos del pintor. “Hacer este trabajo fue un desafío motivante. Cuando estás metida en una colección más comercial, a veces te olvidás de lo lúdico, de volver a esas raíces de estudiante y se puede perder esa forma de ver las cosas, de ver el mundo”, cuenta la diseñadora. Y la presión no era solo por la exposición sino por el vínculo que mantienen hace años. “Para su boda, mi señora y yo le regalamos un obra que pinté hace más o menos 10 años. Cuando la vio, quedó encantada. Después me llamó para decirme que la había motivado como soporte para su trabajo. Y este fue el resultado”, explica el artista.

Savia & Fidel Sclavo

Paula Vignolo y Helena Betolaza, de Savia.
Paula Vignolo y Helena Betolaza, de Savia.

Antes de empezar el proceso creativo para la exposición, las diseñadoras de Savia no conocían el trabajo de Fidel Sclavo. Pero solo faltó que vieran una de sus obras para enamorarse a primera vista. A decir verdad, los diseños de Savia y el trabajo de Sclavo dialogan casi a la perfección. Con una mirada crítica, este pintor se caracteriza por creaciones sutiles, que no son invasivas pero buscan despertar una reacción en el espectador. “Trabajo cada día, como quien sale a pescar, sin importar el clima. Mi inspiración puede ir variando; a veces depende de algo inmediato, como el sol que entra por la ventana. Puede ser una idea que me da vueltas, un juego de palabras que dispara algo nuevo”, cuenta Sclavo. Así, sin saberlo, esta unión entre la simpleza y la naturaleza se repite en los diseños de Savia. “Es increíble la conexión que tuvimos. Elegimos a este artista porque utiliza líneas puras, simple, elementales. Usamos los mismos colores –tonos tierra y pasteles– y tenemos muchas cosas en común”, asegura Paula Vignolo de Savia.

Después de un proceso creativo que empezó con la idea de hacer una prenda experimental pero terminó en una pequeña colección más conceptual, las diseñadoras presentaron un perchero con vestidos “más reales” y conectados con el trabajo del pintor. “Son diseños que se pueden poner en la tienda pero tienen su esencia. En nuestro trabajo utilizamos el arte, la arquitectura y la naturaleza como fuente de inspiración”, dice.

A los 59 años, y desde Buenos Aires, Sclavo asegura que las disciplinas están vinculadas por la creatividad de los artistas. “De la unión y el diálogo entre expresiones diferentes, como el arte y la moda, suele emerger una tercera, que inaugura un nuevo territorio y borra fronteras. En muchas ocasiones de los últimos tiempos, sin ir más lejos, se ve mayor creatividad en la moda que en las ferias de arte contemporáneo o en exposiciones que han agotado su discurso”, concluye. 

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