La paternidad también quiso que Tort y Dianesi se encuentren en una placita paseando a sus hijos y allí apareció la propuesta. Dianesi, que ya venía meditando la idea, no lo dudó y aceptó. “Pasé por el carnaval y di clases, y siempre despunté el vicio de la dirección ayudando a los compañeros en el teatro. Y cuando llegó la propuesta fue un honor”, indica el ahora director.
¿Por qué llevar adelante esta obra juntos?
Leonor Svarcas —Andábamos con ganas de trabajar juntos con Alfonso. Entonces empezamos a buscar obras y a leer muchos textos. Y un amigo me pasó Pulmones. La leí en inglés primero y me partió la cabeza. Después encontramos una buena traducción. Diego Sorondo (el productor) la leyó y le encantó. Empezamos a ver quién nos dirigiría. A mí se me vino un poco la energía de Fernando. Dimos clases en el mismo lugar y vi muestras de él. Él nunca había dirigido, o sea que fue toda una apuesta, pero yo dije: “tiene que ser Fernando”. Y no nos equivocamos para nada. Es fundamental su mirada. Así que estoy contentísima.
Alfonso Tort —Yo estaba con poco trabajo y con ganas de arrancar motores. Pensamos muchas cosas. Ahora me arrepiento porque tengo dos bebés que por una u otra razón me demandan mucho.
L. S. —Hasta en un momento querías dirigirla, pero te desplazamos.
A. T. —Era por una cuestión de que no quería aprenderme la letra porque no tengo mucho tiempo. Pero está bárbaro cómo fue. Me gusta pila que Fernando es muy pasional. No se lo dije, se lo estoy diciendo ahora.
L. S. —Se copó.
A. T. —Lo ves copado y está bueno. Yo que vivo cansado, me viene bárbaro.
Fernando, es tu debut como director. ¿Conocías el texto?
Fernando Dianesi —No lo conocía y me encantó. Siempre he estado coqueteando con la dirección, pero no encontraba qué ni tampoco el momento. Leí el texto y pude decir: “yo esto lo puedo hacer, sé algo sobre esto”. Por lo vivido y, sobre todo, porque es una obra en la que el público se va a identificar muchísimas veces porque muestra un trayecto largo de vida. Todo el mundo encuentra dónde identificarse. Obviamente me pasó.
¿En qué los cuestiona la obra?
A. T. —A mí, en todo. Si vas a ver la obra, es como un poco mi vida, prácticamente. Me hace cuestionar el tipo de hombre que fui, que soy y que trato de ser. El tipo de padre que trato de ser hoy en día. En ese sentido me veo muy atravesado por la obra. También me gusta, ya más de veterano, hacer cosas que hablen del momento en el que estoy. Porque es más sencillo en un punto transmitir algo de la obra; del total, del concepto, más allá de lo actoral. Actuar ya no sé si me copa tanto. O sea, me gusta más transmitir ideas, dialogar con el público. Me siento más como una especie de performer que transmite cosas que un actor que interpreta. Me gusta más eso.
Me siento más como una especie de ‘performer’ que transmite cosas que un actor que interpreta. Alfonso Tort Me siento más como una especie de ‘performer’ que transmite cosas que un actor que interpreta. Alfonso Tort
L. S. —La obra habla de varias cosas, pero creo que con lo que yo más conecté es con el amor de pareja a lo largo del tiempo. ¿Cómo sostener un vínculo amoroso con todas nuestras luces y nuestras mezquindades a lo largo de toda una vida? Y plantea todas las cosas que los que hemos tenido alguna pareja alguna vez por algún tiempo hemos transitado sin lugar a dudas. Y todos, de alguna manera, como dice Idea Vilariño, “tras la serena máscara, pedimos de rodillas un amor verdadero”, alguien que verdaderamente nos ame. La obra pone de manifiesto qué es que te amen y qué es amar a otro; qué es brindarse realmente a otro. Pone más preguntas que respuestas. Tiene un ritmo vertiginoso y allí vas preguntándote si pensás lo mismo del amor. ¿Soy capaz de dar eso? ¿Soy capaz de cometer esos mismos errores? ¿Cómo se puede resarcir esta situación amorosa que seguro muchos conocemos?
F. D. —Hay una pregunta hermosa que los personajes se repiten durante varios momentos de la obra: ¿somos buenas personas? Eso está presente y es una pregunta que nos atraviesa a todos los seres humanos. Generalmente uno piensa que es bueno. Pero ellos lo cuestionan y dicen: cuidamos el agua, cuidamos el medio ambiente, pero ¿somos buenas personas? Es frente a cada decisión cuestionarnos: ¿somos buenas personas si tomamos las decisiones correctas?
Pulmones tiene muy pocos recursos escénicos para mostrar el paso del tiempo. ¿Qué desafíos significó eso?
F. D. —Es de las cosas más lindas que tiene la obra. Cuando la leo digo: es solo actuación, no hay que hacer nada. Es más, en el guion el autor pide muchas cosas que no: no hagas esto, no hagas esto, no hagas esto. Y lo que sí pide es que haya una actriz y un actor a lo largo de mucho tiempo de la vida. Hay preguntas, hay amor, hay locura, hay pasión, hay dolor, hay felicidad, hay alegría, hay traición. Hasta hay un bebé. Hay todo.
Hay una pregunta hermosa que los personajes se repiten durante varios momentos de la obra: ¿somos buenas personas? Fernando Dianesi Hay una pregunta hermosa que los personajes se repiten durante varios momentos de la obra: ¿somos buenas personas? Fernando Dianesi
Es un desafío para los actores, primero que nada, porque actuar tan despojados es algo a lo que no estás acostumbrado. La obra es como un corte en el que viste 40, 50 años de vida. Son dos actores que saltan de un tiempo a otro, de una emoción a otra, y es un ejercicio teatral hermoso. Es una obra genial para la gente que ama el teatro y es una obra genial para los que nunca fueron al teatro.
¿Cómo fue construir estos personajes que van cambiando a lo largo del tiempo?
L. S. —Fue desafiante en lo energético. Cuando uno es joven tiene una energía más fresca, menos aplomada, algo más ansiosa. Naturalmente me es más fácil estar en el rango de edad que tengo en la obra. Después sí, hay que buscar algo que uno no conoce, que es una zona más sobre el fin de la vida. De todas maneras no trabajamos tanto sobre una composición de personajes. No intentamos parecer jóvenes o parecer viejos o ancianos, sino que trabajamos más la energía que tiene una persona cuando es más joven y está pensando en tener un proyecto de vida o de familia. Y cómo es la energía cuando una persona ya vivió y ya sabe que está en el tramo final. Yo digo que el actor es muy noble en prestar cosas muy íntimas para la escena, que siempre tiene ese disfraz, entre comillas, de que la gente no sabe qué es tuyo y qué es del personaje, pero realmente se mezclan el artista con la ficción.
A. T. —El texto está tan bien escrito que en realidad no hay que hacer mucho. Hay que poner el cuerpo y estar mucho en el presente que propone el texto. También hay una mirada de Fer desde afuera, de la construcción que nosotros, estando adentro, hay cosas que no nos damos cuenta. Fuimos dialogando entre los tres. Hablamos de las cosas, más que del personaje. En el teatro ha variado un poco eso del personaje, como que es más viejo para mí el concepto de construcción del personaje. Para mí es como que ya no hay personaje.
L. S. —Declaraciones polémicas. Todo el medio teatral se le viene encima.
A. T. —Bueno, cada proyecto es distinto. Pero yo veo que en lo último que he hecho hay una especie de cuerpo que transmite cosas.
L. S. —Sí, o de la vivencia que atraviesa el personaje, más que de sus características.
En Pulmones los personajes no tienen nombre, son M y H…
A. T. —A ese punto se llega. Hasta desde la dramaturgia hay algo de eso.
F. D. —Eso genera la identificación del público. Realmente no hay tiempo, no hay espacio, no hay un diario que te haga ir a una cosa fija, sino que te lleva más como público a identificarte y decir: “ah, puedo ser yo”.
El actor es muy noble en prestar cosas muy íntimas para la escena, que siempre tiene ese disfraz, entre comillas, de que la gente no sabe qué es tuyo y qué es del personaje. Leonor Svarcas El actor es muy noble en prestar cosas muy íntimas para la escena, que siempre tiene ese disfraz, entre comillas, de que la gente no sabe qué es tuyo y qué es del personaje. Leonor Svarcas
A. T. —Además yo soy malísimo interpretando, o sea, no sabría cómo hacer a una persona de 30, a una de 50 y hacer de viejo. Debe de llevar mucho tiempo la construcción de eso. No en dos meses. Me parece dificilísimo. Claro, es una cuestión como de energía, de que está más en la palabra que en otra cosa. Eso también está buenísimo en el teatro. Si hay un actor o una actriz que dice: “soy joven”, vos comprás que es joven, aunque sea alguien de 70. Comprás ese código. Acá no proponemos nada, pero Leo me dijo: “vamos a salir de la fila del supermercado”. Y se te abre el supermercado.
F. D. —Hay una frase que me gusta mucho, que no sé de quién es, pero es que el público paga para creer. Y tiene todo para creer y construir con los actores.
Un tema que se aborda es la crisis climática y la huella de carbono que se genera. ¿Ese tipo de miradas para ustedes es universal o es algo de la clase media, urbana?
F. D. —Obviamente. Es una pareja que está instalada ahí, en ese lugar. Y desde este lugar critican, ven, se juzgan, se adaptan, socializan. Y la vida los pasa por arriba y les cobra de la misma forma que a los de arriba y a los de abajo. Me gusta mucho esta visión de lo apocalíptico que subyace en la obra. Desde esta cuestión de clase que está preocupada por el cine, por el doctorado, por la música, por el amor, por cumplir con los mandatos sociales de tener un hijo. Están en esta burbuja donde ellos mismos dicen: el mundo está horrible, hay que ocuparse. Pero tampoco hacen nada. Que es un poco como estamos casi todos en esta sociedad. La obra pone un espejo diciendo: “vos estás ocupado en todo esto, pero mirá que esto otro está pasando”, sobre todo en el final.
Leonor, últimamente has indagado en escena sobre la maternidad, ¿te interesa la temática o ha sido casual?
L. S. —Una elige en un momento de la carrera qué tiene para decir. Siempre digo que hay que ser un poco arrogante para subirse al escenario, esperar que la gente venga, te pague, se prendan unas luces y vos vayas a comunicar algo. Por eso me lo tomo con mucha responsabilidad. Al que viene le puede interesar más o menos lo que haga, pero sí trato de ser honesta en contar algo que a mí me vibre en este momento de la vida, que me preocupe y me genere querer saber más sobre algo. Estoy en plena crianza, tengo un hijo de 11 y otro de ocho.
¿Qué esperan de la recepción del público?
L. S. —La última obra que hice ahí fue Quiéreme siempre, en un reestreno. Fue tan incómoda para una espectadora en un momento que se levantó de la sala y nos empezó a gritar a las actrices. El público empezó a pelear con ella. Porque opinaba de lo que decíamos los personajes. Le decían “facha” y más cosas. Ella gritaba. Al final la sacaron de la sala. Tengo ese recuerdo fuertísimo y mis compañeras lo padecieron bastante. Pero a mí, por más que no estoy de acuerdo con este tipo de cosas, me hizo pensar que eso también es el teatro.
A veces puede generar algo tan profundo en el otro que puede haber una reacción inesperada en la platea, que siempre se espera de ellos que estén totalmente callados, aunque ahora se están haciendo programas interactivos. Pienso en ese escenario como un lugar donde pueden pasar cosas también desde el lado del espectador.
A. T. —Esta obra fue un texto que me conectó, entonces espero que también del otro lado les pasen las mismas cosas que me pasaron a mí. Para mí, está buenísima porque no pude parar de leerla. Cuando empecé a leerla fui hasta el final y terminé llorando. Dije: qué buena está, hay que hacerla.
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