Miguel Bonneville #6 2008-2018 (Portugal)
“Una experiencia de narración autobiográfica”. Así se describe esta obra, escrita, dirigida y protagonizada por el artista portugués Miguel Bonneville, quien trabaja sobre su historia personal “como momento de profundo encuentro existencial entre diversas identidades”. A través de un peculiar dispositivo escénico, en el formato de video-retratos, la puesta cuenta con la presencia de algunas mujeres que forman parte de su vida, que hablan sobre ellas y sobre sus experiencias en contacto con el protagonista. Las historias de cada una de ellas son interpretadas en un doblaje en vivo, con su propia voz, fundida con su presencia, en un único megarretrato que da forma a una nueva identidad. Diez años después de su estreno, Bonneville decidió revisar el espectáculo y entrevistar nuevamente a las mismas mujeres, y también otras que aparecieron en su vida en ese período. Así, la obra es una profunda reflexión sobre la condición de la mujer en la actualidad, a la luz de todo lo que ha sucedido en la última década, con el auge de los feminismos y la cuestión de género y sexualidad como un tema central en la sociedad occidental. Junto con Bonneville, participan Sofia Arriscado, Joana Craveiro, Joana Linda, Rita Só, Cláudia Varejão, Sara Vaz, y Maria Gil, Isadora Alves, Isabela Figueiredo, Carlota Lagido, Joana Linda y Mariana Sá.
Centro Cultural Goes, miércoles 2 y jueves 3 de febrero, 20:30 h.
Pecados capitalistas (Uruguay)
Segundo ciclo de este peculiar formato escénico que fusiona teatro, música en vivo y periodismo, que fue introducido por Marianella Morena en la pasada edición de TA, en 2021. La apuesta de Morena consiste en una entrevista en vivo entre un periodista (Antonio Ladra), y un referente político, social o cultural, una actriz (Lucía Trentini) y un músico (Agustín Pardo), juntos en el escenario. Lo que sucede en la entrevista periodística se convierte en material dramático para los artistas, quienes se nutren de las preguntas y las respuestas para entregar breves escenas improvisadas, que pueden pertenecer al mundo de lo real o de la ficción. En lo conceptual, como en el primer ciclo, las siete entrevistas están enmarcadas en los siete pecados capitales determinados por la tradición bíblica. Cada pecado estará adjudicado a cada entrevistado. “El teatro es representación y los políticos representan a la ciudadanía, pero ambos son parte de una ficción en algún momento, el teatro lo es por su esencia y los políticos porque ficcionan un modelo de país”, reflexiona Morena. “El espectáculo político o artístico produce personajes mediáticos y la cobertura informativa busca captar la atención, ¿del público o la ciudadanía? ¿Cuál sería la diferencia? O, ¿dónde está la frontera? No es un espectáculo, por lo tanto el valor no está en el resultado, sino en el riesgo del diálogo (¿un diálogo de iguales?), cosa imprescindible en estos tiempos. La idea y la dirección son de Marianella Morena.
Los entrevistados serán Patricia Rodríguez (sábado 5, 20 h), Graciela Bianchi (sábado 5, 22 h), Darviña Viera (domingo 6, 20 h), Pacha Sánchez (domingo 6, 22 h), José Mujica (lunes 7, 20 h), Lilián Abracinskas (martes 8, 20 h) y Oscar Andrade (martes 8, 22 h).
La persona deprimida (Argentina)
“Disculpame si te estoy distrayendo de tu vida activa, vibrante, libre de angustia y ubicada a larga distancia”, dice la narradora de la adaptación teatral de este cuento de David Foster Wallace, reconocido escritor estadounidense que tras muchos años de depresión, acabó con su vida en 2008. La persona deprimida es un completo retrato de la condición anímica de una mujer, que se limita a describir sus duras circunstancias, los componentes de su angustia, y especialmente la imposibilidad de expresar ese dolor, y que según sus admiradores, le quita a la depresión cualquier atisbo de encanto o de romanticismo marketinero. Este monólogo, a cargo de la actriz María Onetto, es fruto de la adaptación teatral del relato, por parte del reconocido dramaturgo y director argentino Daniel Veronese, uno de los grandes referentes de la revolución escénica que tuvo lugar en el vecino país en los años 80 y 90, y un viejo conocido de las tablas uruguayas, donde trajo grandes títulos como Espía a una mujer que se mata, y ya llevaba más de una década sin mostrar su trabajo. Esperado retorno.
Miércoles 9, 20 y 22 h.
Criaturas domésticas (España y Uruguay)
Tragicomedia inspirada en Las criadas, de Jean Genet, que narra cómo las relaciones humanas pueden estar sostenidas por una mezcla equilibrada de violencia, amor romántico y sumisión. Con dirección y dramaturgia de la uruguaya Lucía Trentini (radicada actualmente en Madrid), quien además integra el trío de intérpretes junto con las españolas Gloria Albalate y Begoña Caparrós, esta obra está enmarcada como una comedia grotesca con una marcada crítica política hacia los sectores socioeconómicos que son los principales beneficiarios del servicio doméstico. La adaptación que Trentini hace de Genet se vale del humor para narrar pequeños accidentes domésticos que podrían desencadenar muertes ridículas, expresando así el deseo de los personajes de la obra original de matar a sus amas que abusan de su poder, y se aprovechan de su condición. La puesta es el resultado de un proceso de investigación liderado por Trentini y desarrollado en el subsuelo de un hotel. “Una experiencia teatral que busca el contacto íntimo y el diálogo directo con el espectador”, anuncia Trentini, y por eso decidió limitar la audiencia a 20 espectadores.
Las nueve funciones tendrán lugar en Casa Caprario, local lindero a Sala Verdi, del jueves 10 al sábado 12, a las 20:00, 21:15, 22:30 h.
El señor Armand, alias Garrincha (Perú)
Teatro y fútbol no suelen coincidir muy seguido. Por eso esta es una gran oportunidad para unir esos dos mundos. Esta obra del francés Serge Valletti, dirigida por el francés Gilbert Rouvière y traducida por Rouvière y el peruano Miguel Iza, es la historia sobre cómo un futbolista negro del Júnior Olímpico de Marsella salvó la vida del crack brasileño Manoel Francisco dos Santos, el legendario Garrincha, artífice del título mundial de Brasil en 1962 (con Pelé lesionado). Por esas casualidades de la vida, Armand impidió la presencia del Botafogo en el Estadio Velódromo de Marsella, en 1955, y al mismo tiempo salvó la vida de todo ese plantel, al provocar un accidente en las Veinticuatro Horas de Le Mans, que le costó la vida a decenas de personas. Según Rouvière, “no hay que ser amante del fútbol para gozar este texto lleno de ternura y de humor, solo hay que amar a la humanidad. Y el señor Armand, como Garrincha, como un espejo, nos habla de nuestros sueños, de nuestros éxitos, de nuestros fracasos, de nuestras risas, de nuestros llantos, de nuestras existencias”. La obra, unipersonal a cargo del actor peruano Jorge Armas, saca el foco de Pelé, la primera gran estrella global del mundo del fútbol, y lo pone sobre Garrincha, el crack que se sumergió en el abismo del alcoholismo y murió antes de cumplir 50 años. “El hombre que soñaba como un niño, solo el juego le gustaba, Garrincha, el que ¡tenía 22 años y jugaba riéndose! Garrincha, el que hacía que el público se levantara de alegría. Garrincha, el que ha hecho soñar al señor Armand”, agrega el director, que también se encarga de la iluminación y la escenografía: “El señor Armand se confunde con Garrincha, y contándose a sí mismo entrampado en sus alucinaciones de actor, revela sus demonios propios. Al contrario de Garrincha, el señor Armand nunca ha salido a la luz, como Garrincha tiene un destino trágico, hundiéndose en el alcohol, la nostalgia, y los sueños de niño, regresando al lado de los olvidados.
Viernes 11 y sábado 12, 21 h.
Livalone (España)
Una sarcástica mirada a la generación millennial, escrita, dirigida e interpretada por dos performers miembros del colectivo catalán Fundación Agrupación Colectiva que ganan reputación en la nueva generación teatral española. Con una laptop, un equipo de audio y y un proyector de video, el creador y performer Francesc Cuéllar y Alejandro Curiel encarnan el prototipo de joven de 25 años que se lanza a la “increíble aventura” de irse a vivir solo. Presentada como una “conferencia escénica” (formato de moda en la escena europea), aquí se narran los múltiples e intrincados caminos que debe emprender un joven para alcanzar la autosuficiencia antes de los 30 años. “Una disección de las adversidades que debe afrontar toda una generación de jóvenes millennials que viven indefinidamente en precariedad. Un repaso minucioso y sarcástico de los usos y costumbres, derechos y necesidades de la sociedad contemporánea”, explican los creadores.
Domingo 13 y lunes 14, 21 h.
Pocahontas (España)
“Muchos dicen que la historia solo es contada por los vencedores y alguien, una mujer, añadió que no solo es así sino que nos falta el 50% de ella. Hay un vacío enorme en el tiempo, un agujero inmenso en cada libro de historia de secundaria y, dentro de ese vacío, hay todo lo que de verdad ocurrió, aparte de lo que nos han contado. Porque no solo no sabemos ni la mitad, sino que la mitad que nos ha llegado, nos ha llegado solo desde un único punto de vista: el masculino. El 50% restante, esa mitad desconocida quedará para siempre jamás perdida en el tiempo o residirá en la imaginación de cada uno. ¿O quizás no?”. De esta potente premisa conceptual parte la catalana Bárbara Mestanza, autora, directora e intérprete de esta pieza, producida por ella misma con el apoyo de la Sala Beckett de Barcelona. Y agrega, en el mismo tono: “Así pues, la estructura de nuestra sociedad tal y como la conocemos ahora, está basada en solo la mitad de la realidad, en solo una media verdad. ¿Y una media verdad no es lo mismo que una media mentira?”. Mestanza nos cuenta que nació en 1990, “en la época donde ser una princesa era un objetivo claro, lógico y realista, una época donde Disney creyó ser mi padre y, sin límites, quiso expandirse por todo el planeta como lo hizo en su día Hitler, arrasando, por encima de todo. Sus historias están llenas de amor y sueños felices y eso es todo lo que una niña de los noventa podía desear. Pocahontas era una de ellas. Así pues, Pocahontas fue uno de mis primeros referentes como mujer. Ella, supongo, aún debe formar parte de mi chip base, al igual que su historia de amor. Y qué historia de amor. Entonces, podríamos decir que en mi caso, y en el de miles y miles de mujeres nacidas y construidas en los 90, Pocahontas y las historias de Disney son eso que nos ha hecho ser quien somos hoy”.
Martes 15 miércoles 16, 21 h.
Se respira en el jardín como en un bosque (España)
Una obra para un solo espectador ya es suficiente motivo como para ir corriendo a la sala o salir corriendo lejos de ella. No es la primera vez que se utiliza este recurso narrativo escénico en Montevideo, pero no es un formato muy frecuente, que digamos. “Ni el jardín es la Naturaleza ni el teatro es el mundo”, advierte la gente de El Conde de Torrefiel, compañía de vanguardia española formada por el valenciano Pablo Gisbert y la suiza Tanya Beyeler que desarrolla su trabajo en toda Europa. “Alguien prepara los jardines para disfrutar de un pedazo organizado de naturaleza, en su origen salvaje y llena de peligros. En el teatro alguien ordena las palabras y las imágenes en un discurso que dibuja una lógica que parece una respuesta. Pero así como cuando abandono el jardín y entro en el bosque, cuando salgo del teatro y vuelvo al mundo, toda la ilusión se esfuma y el mundo que aparece de nuevo ante mis ojos se vuelve indomable, peligroso y siempre incomprensible”. En esta propuesta, el espectador ocupa el rol de intérprete y público alternativamente, y se proponen las dos acciones básicas del acto teatral: una persona desarrolla un conjunto de acciones en un escenario y otra mira en silencio. “A partir de esta convención teatral primitiva que ha perdurado durante miles de años hasta nuestros días, se propone un juego escénico a través de una narración sostenida por simples acciones que confrontan al participante con la convención representada. En esta experiencia afloran algunas cuestiones alrededor de cómo se comprende la realidad, quién es capaz de construirla y por qué nos encanta observar en silencio, al igual que hacemos cuando vamos al teatro, el artificio del mundo que hemos creado”. El texto es de Gisbert y la voz en escena es de Tanya Beyeler.
Se respira en el jardín como en un bosque se presentará el jueves 17 y viernes 18, en 15 funciones durante siete horas, cada media hora entre las 16.00 y las 23 h.
