Los pliegues de la memoria

Fue justamente con una obra a partir de fotografías familiares que en 2013 ganó el Premio Paul Cézanne, que otorga la Embajada de Francia a artistas jóvenes. En esa pieza, hecha con estilo “punta seca”, está simbolizada su concepción de la historia y la memoria: son 21 caras talladas en acrílico que se arman en una especie de biombo, de tal forma que cuando se cierra se adquiere la sumatoria de todos los rostros en uno solo. “Considero que así funcionan la historia y los recuerdos, como una sumatoria de capas. No tiene tanto que ver con el tiempo lineal, sino con la superposición. Se dejan entrever hechos pasados y se tapan otros, pero en la superposición se conforma una nueva identidad que contiene a las anteriores y a su vez es distinta”.

En Bélgica, la artista está leyendo a autores que han trabajado el tema de la memoria después de la II Guerra Mundial, entre ellos W. G. Sebald, George Perec o Marguerite Duras. “Casi todos con raíces europeas o vinculación francesa. Estoy en un momento de muchas lecturas y espero que se cuelen de alguna forma en mi obra y en mi escritura, porque estoy escribiendo una especie de prosa poética”.

Ahora, en el espacio IMPO (18 de Julio 1373), la artista está exponiendo en la muestra Un cuarto de siglo de Taller, que reúne la obra de quienes pasaron por el taller de los dibujantes Fermín Hontou (Ombú) y Luis Prada (Tunda). Allí envió dos de sus primeras piezas en blanco y negro, de grandes dimensiones, que también muestran rostros y cuerpos en una especie de vida superpuesta a la muerte. “Hice esas obras cuando era adolescente, pero no me daba mucha cuenta de lo que estaba procesando, aunque había algo latente y muchos cuestionamientos. El taller de Tunda y Ombú fue mi primera incursión consciente en el dibujo y un lindo comienzo. En un principio no me interesaba la caricatura, pero sí la propuesta que ellos tenían de taller para jóvenes”. Esta muestra colectiva puede verse hasta julio de 9.30 a 16 horas.

Stolarsky recuerda con afecto y agradecimiento a otros artistas que también fueron sus maestros: Carlos Musso y Eduardo Flores, y más atrás en el tiempo Mayerling Wolf y Claudia Anselmi, con quienes estudió cerámica siendo una niña.

Entre otras de sus inquietudes, está la animación. Tuvo una experiencia en equipo al participar en la película Anina, dirigida por Alfredo Soderguit y basada en la novela de Sergio López. “En mi corta trayectoria he tenido la suerte de encontrarme con gente que realmente tiene amor por la que hace, y creo que los logros que está teniendo Anina en el exterior es por la fuerza del equipo de trabajo”, explica.

En cuanto al arte que se está desarrollando hoy en Europa, considera que está pasando por “un gran apego a las modas”, impulsado por las galerías, las instituciones culturales y el propio mercado. Por otro lado, ve que en el ámbito europeo hay “una manera establecida” de cómo debe verse una obra que en parte es fruto de los siglos de historia del arte. En ese sentido, ve ciertas ventajas en Uruguay, que, como país joven y sin un mercado importante, puede tener un arte que no busca una forma establecida y no se apega a las modas.

Sobre lo difícil que resulta para el público entender el arte conceptual, piensa que toda obra debería tener un concepto detrás y que eso lleva a la distinción entre artista y artesano. “Para mí, un artesano es el que tiene una destreza o habilidad técnica, pero el artista necesariamente tiene que tener estudio, investigación y un concepto, una pregunta o una postura con respecto a la obra”, algo de lo que el artesano puede carecer.

En ese sentido, aclara que en Europa desde hace años sucede que muchas muestras son incomprensibles para el público porque cada vez más se dirigen hacia otros artistas. “Cuando esto sucede, se incorpora más abstracción y los códigos pueden estar más encriptados. Entonces la pregunta es para quién está haciendo uno la obra. La primera persona en la que hay que pensar es en uno mismo, en lo que uno tiene para decir. Pero si uno decide mostrar la obra al público, ahí hay que preguntarse también hacia quién la dirigimos. ¿Hacia un público general, hacia los críticos, hacia las galerías en las que queremos entrar, hacia otros artistas? Para mí, la respuesta está en la sinceridad hacia uno mismo y hacia la obra. A partir de esa sinceridad la forma puede ser variada: una instalación, una performance, una obra de videoarte o una escultura. Pero la respuesta no está en el público”.