Con un martillo de madera, Kühne golpea cuidadosamente distintos puntos de la estructura y crea sonidos profundos y prolongados que resuenan en el espacio. Uno a uno, los demás intérpretes se suman. A medida que los intervalos entre cada golpe se acortan, el sonido se vuelve más dinámico y vibrante. El público hace silencio, muchos cierran los ojos, otros mueven la cabeza al compás.
Días antes de su performance en Pueblo Garzón, Lukas Kühne se encuentra en su taller montevideano, un amplio espacio repleto de materiales. Enormes pilas de madera de diferentes grosores y tamaños, alambres, espuma plast y una variedad de materiales se amontonan, cada uno con el potencial de transformarse en parte de la obra del artista alemán. “Nunca entendí por qué hay que separar los sentidos en la práctica artística”, comenta a Galería, mientras se acomoda en una silla. Nacido en Stuttgart y formado en escultura por la Academia de Artes y Diseño de Berlín, al terminar sus estudios a finales de los noventa, conectó profundamente con el sonido y su capacidad de transformar un espacio o escultura, aunque fue estudiante de violín de los cinco a los 13 años.
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El artista y escultor ha creado obras sonoras alrededor del mundo; Organum se ubica en la isla Hailuoto en Finlandia
“No me sentía satisfecho con crear esculturas que solo se veían bien y habitaban un espacio público. No le hablaban a nadie. Me interesa trabajar con el sonido como material, no para componer música, sino para integrarlo en las esculturas. Creo que el poder del sonido está profundamente subestimado”, reflexiona el artista.
Este alemán llegó a Uruguay desde Berlín en 2002 gracias a un programa de intercambio ofrecido por la Escuela Universitaria de Música (EUM) de la Universidad de la República. Tres años después, fundó el Taller Experimental Forma y Sonido en la misma institución, del cual es director desde entonces. En 2013, amplió su impacto en la escena emergente del arte sonoro en el país al crear Monteaudio, Festival Internacional de Arte Sonoro, una plataforma que, al igual que el taller, opera dentro de la EUM. También es coordinador de la Unidad Académica Multidisciplinaria y director del Instituto de Música de la Facultad de Artes de la Universidad de la República.
Sonidos de acá y de allá
Desde su llegada a Uruguay, la EUM le otorgó un espacio en el Centro de Montevideo, un antiguo bar llamado Quitapenas que hoy funciona como su taller, para que pueda llevar a cabo sus clases allí y crear libremente. El arte sonoro ha crecido lentamente en Uruguay, aunque con fuerza, durante las últimas décadas, y Lukas Kühne ha sido testigo y protagonista de ese desarrollo. Desde su llegada, notó que el concepto aún era desconocido para muchos, pero destaca que en la última década la región ha comenzado a construir su propia identidad en esta disciplina. “A partir del 2010 comencé a notar una movida tremenda de arte sonoro en América del Sur”, recuerda. Festivales como Tsunami, el más antiguo del continente sobre este tema, que se celebra en Valparaíso, Chile, han sido puntos de encuentro para académicos y artistas que buscan conectar y desarrollar una red entre países como Uruguay, Argentina, Brasil y Chile.
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La escultura llamada Cromático en Lauluvaljak, espacio publico de Tallin, es de importancia histórica para Estonia
El arte sonoro se origina en el arte visual, no en la música, cuando algunos pintores, como el italiano Luigi Russolo, buscaron “liberar el sonido del dominio de la música”, como explica Kühne. “Si un niño no canta correctamente, la maestra dice que canta mal porque se rige por ciertas reglas. Lo mismo pasa con aprender a tocar instrumentos musicales. El arte sonoro, en cambio, busca y permite otras expresiones”, agrega.
Si bien del sonido en el arte se habla hace siglos —de hecho, Russolo escribió en 1913 un manifiesto llamado El arte de los ruidos, inspirado en los sonidos de la Revolución Industrial (fábricas, máquinas de vapor, etcétera)—, el concepto de paisaje sonoro y de escucha consciente son muchísimo más nuevos. Fueron inventados en los años 60 por el canadiense Murray Schafer, según cuenta Kühne. También es en esa época en que se comienza a hablar de polución sonora, de ecología acústica y psicoacústica.
La exhibición del Museo de Arte Moderno (MoMa) de Nueva York Soundings: A Contemporary Score (2013), curada por Barbara London (que visitó Uruguay al ser invitada por Este Arte Fair en 2023 y fue entrevistada por Galería), marcó un hito en el mundo del arte sonoro al convertirse en la primera exposición de arte sonoro en el icónico museo.
Arte sonoro en Uruguay
Kühne considera que en Uruguay hay una musicalidad intrínseca que diferencia a la región de otras partes del mundo. “Hay chicos jóvenes que quieren estudiar instrumentos y dedicarse a eso, que se juntan con amigos y forman bandas. Eso en Europa ya no lo encuentro mucho”, señala. Esta vitalidad, dice, es un motor importante para el crecimiento del arte sonoro. Subraya que su interés no está en importar las filosofías de Europa a Uruguay, sino en fomentar que esta disciplina crezca en Sudamérica con su propio estilo y particularidades. “Yo puedo abrir alguna puerta o ayudar a armar un piso, pero quiero que el arte sonoro crezca acá a su manera”, afirma.
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Tvisongur, construida en 2012 en el pueblo de artistas islandes Seyðisfjorður, llamó la atención de la artista Björk, quien le solicitó permiso a Kühne para crear esculturas similares y utilizarlas en sus conciertos
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Tvisongur, formada por cinco cupulas de hormigón, está construida para que tenga una frecuencia acústica en las tonalidades de la música tradicional islandesa; eso lo hace un lugar especialmente atractivo para jugar con la voz, cantar, gritar, etcétera
En 2006, Kühne fue curador de Espacio y Frecuencia: la sensación visual del sonido, una exposición pionera de arte sonoro en Uruguay, organizada en el Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV). Participaron artistas uruguayos, entre ellos Brian Mackern, Martín Craciun, Federico Arnaud, Javier Abdala, Alejandro Turell, Ariel Ameijenda y Analía Fontán, y otros internacionales, como el francés Rubin Steiner, la estadounidense Robyn Schulkowsky y el argentino Nicolás Varchausky. Esta iniciativa marcó un hito en la región y propició nuevas conversaciones y exploraciones en torno a cómo el sonido puede habitar y transformar los espacios artísticos tradicionales. Kühne afirma que la escena del arte sonoro en Uruguay es hoy muy under, y que la pasión de sus integrantes, incluidos sus estudiantes, le fascina
Reimaginar el espacio público
“De chico siempre buscaba lugares para experimentar con sonido, hacer cualquier cosa, pero era difícil de encontrar. Creo que sigue siendo así”, cuenta el artista mientras busca en su computadora fotografías de algunas de sus obras permanentes, ubicadas alrededor del mundo. “Me gusta pensar que estos lugares, estas obras, permiten eso. Me gusta la idea de cambiar un poco las reglas del espacio público. Es un poco mi misión”, explica al señalar en la pantalla una obra gigante, hecha de hormigón y ubicada en las alturas de una montaña. Se trata de su obra llamada Tvísöngur, que se encuentra en el pueblo de artistas islandés Seyðisfjörður y fue construida en 2012. Consta de cinco cúpulas interconectadas de hormigón, con alturas que varían entre 2 y 4 metros y cubre un área de 30 metros cuadrados.
Cada cúpula de Tvísöngur está afinada, es decir construida para que tenga una frecuencia acústica en específico, para resonar con las tonalidades de la música tradicional islandesa de más de 2.000 años. “Cada espacio tiene su frecuencia básica, que es determinada por su altura, ancho, material y otros detalles”, explica.
La obra invita a la comunidad a habitarla y experimentar con el sonido, permitiendo a los visitantes escuchar su propia voz de manera diferente, fomentando la interacción y apropiación por parte de la comunidad local. Se podría decir que son el formato físico de una escala musical en particular. Tvísöngur tiene dos hermanas mayores: una ubicada en los místicos bosques de Aokigahara, Japón, llamada Organum, que es una escultura sonora afinada en la escala pentatónica, característica de la música asiática, y Cromático, construida en Lauluväljak, espacio público de Tallin, capital de Estonia, en 2011.
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Entre los árboles de los míticos bosques de Aokigahara, Japón, se encuentra Onkai, escultura sonora afinada en la escala pentatónica, característica de la música asiática
Cromático está afinada en la escala cromática del Fa, predominante en las composiciones musicales de occidente, con cada una de sus 12 cámaras corresponde a una nota; y su ubicación es de importancia histórica para Estonia. El parque Lauluväljak es donde se celebra el Festival de la Canción, evento que se convirtió en una herramienta de resistencia pacífica durante la época de la ocupación soviética, desde 1940. Entre 1987 y 1991, en lo que se conoció como la Revolución Cantada, miles de estonios se congregaron en Lauluväljak para cantar canciones patrióticas prohibidas y expresar su deseo de independencia. Este movimiento fue crucial para la restauración de la independencia de Estonia en 1991.
“Durante una exposición que realicé en la Estación Central de Nueva York, en 2005, escuché a unas personas decir que les gustaría meterse dentro de las instalaciones sonoras que estaban exhibidas. Querían entrar a los amplificadores y sentir qué pasaba adentro. Lo sentí como una comisión. A partir de eso, quise crear espacios que de afuera luzcan como suenan adentro, espacios a los que la gente pueda entrar”, cuenta sobre el origen de su serie de esculturas permanentes. A través de ellas, Kühne busca ofrecer espacios donde las personas puedan experimentar y expresarse sonoramente, desafiando las convenciones del espacio público y promoviendo una conexión profunda entre la forma, el sonido y la comunidad.
